sábado, 28 de noviembre de 2009
martes, 10 de noviembre de 2009
El proceso creativo en artes plasticas
Este video muestra el proceso de crear una obra de arte siguiendo pautas nunca antes observadas. Si te gusta el arte subscribete que ya vienen otros más hasta culminar una obra de arte.Visita mi wiki en http://digitart-e.wetpaint.com
lunes, 26 de octubre de 2009
jueves, 15 de octubre de 2009
domingo, 6 de septiembre de 2009
jueves, 3 de septiembre de 2009
Mil Gracias!!!
A TODOS LOS DOCENTES QUE HAN ESTADO PUBLICANDO SUS COMENTARIOS Y ENRIQUECIENDO SU QUEHACER EDUCATIVO, SU SUPERACION PROFESIONAL Y PERSONAL, UN SERVIDOR LES DA LAS GRACIAS POR HACER DE ESTA LABOR ALGO REALMENTE EXITOSO.
PROFR. LEO SIERRA HERNANDEZ.
PROFR. LEO SIERRA HERNANDEZ.
lunes, 18 de mayo de 2009
La escultura barroca
La escultura barroca está caracterizada por la búsqueda del movimiento, el contraste entre las diversas superficies a la hora de buscar efectos lumínicos y la integración en la arquitectura para obtener intensidad dramática. Abundará la escultura religiosa al servicio de la devoción, pero también encontramos estatuas mitológicas, retratos y escultura funeraria.
Bernini es el gran genio de este estilo y su Extasis de Santa Teresa su obra maestra, mostrándonos de manera exquisita la visión de la santa. La Beata Ludovica Albertoni y la Fuente de los Cuatro Ríos son otras de sus magníficas obras.
En la corte francesa encontramos una escultura adaptada a los dictados de la Academia, siguiendo las reglas clásicas e interpretándose de manera clara. Coysevaux y Girardon son los maestros más destacados.
La escultura española en el Barroco está centrada en lo religioso, buscando el dramatismo y el realismo en las estatuas. La madera es el material más utilizado, empleando policromía e incluso postizos como cabello natural u ojos de cristal.
En el foco castellano destaca la figura de Gregorio Fernández, autor que evoluciona desde el idealismo y la elegancia del manierismo hasta formas naturalistas y dolientes. En la escuela sevillana encontramos a Juan Martínez Montañés, artista que valora la anatomía y logra captar la belleza natural, cargada de serenidad, tensión y fuerza interior. Alonso Cano es el gran escultor de la escuela granadina y sus figuras se caracterizan por la gracia y el exquisito cuidado de la talla. Pedro de Mena también es granadino y realiza esculturas que rozan el misticismo, siendo uno de los maestros más hábiles en el trabajo de la madera.
La escultura barroca española se culmina con Francisco Salzillo, quien pone en práctica una escultura cargada de dinamismo y sentimiento, destacando sus sencillas figuras para belén.
Bernini es el gran genio de este estilo y su Extasis de Santa Teresa su obra maestra, mostrándonos de manera exquisita la visión de la santa. La Beata Ludovica Albertoni y la Fuente de los Cuatro Ríos son otras de sus magníficas obras.
En la corte francesa encontramos una escultura adaptada a los dictados de la Academia, siguiendo las reglas clásicas e interpretándose de manera clara. Coysevaux y Girardon son los maestros más destacados.
La escultura española en el Barroco está centrada en lo religioso, buscando el dramatismo y el realismo en las estatuas. La madera es el material más utilizado, empleando policromía e incluso postizos como cabello natural u ojos de cristal.
En el foco castellano destaca la figura de Gregorio Fernández, autor que evoluciona desde el idealismo y la elegancia del manierismo hasta formas naturalistas y dolientes. En la escuela sevillana encontramos a Juan Martínez Montañés, artista que valora la anatomía y logra captar la belleza natural, cargada de serenidad, tensión y fuerza interior. Alonso Cano es el gran escultor de la escuela granadina y sus figuras se caracterizan por la gracia y el exquisito cuidado de la talla. Pedro de Mena también es granadino y realiza esculturas que rozan el misticismo, siendo uno de los maestros más hábiles en el trabajo de la madera.
La escultura barroca española se culmina con Francisco Salzillo, quien pone en práctica una escultura cargada de dinamismo y sentimiento, destacando sus sencillas figuras para belén.
La escultura renacentista
Spengler ha señalado que el Renacimiento ha sido la única etapa de la Historia del Arte occidental en la que la escultura ocupa un lugar preeminente. La cuna de este nueva corriente escultórica la encontramos en Florencia. Sin embargo, la inspiración clásica no implica copia ni reproducción sino recreación, buscando aportar nuevos valores a mármoles y bronces. El naturalismo, la preocupación por la anatomía humana y los estudios de perspectiva son las principales novedades formales de la escultura renacentista. Las figuras se hacen proporcionadas y se fija una canon realista, con dominio espacial en la implantación de la figura.
En Italia encontramos dos grandes etapas: Quattrocento y Cinquecento. En el Quattrocento destacan las personalidades de Lorenzo Ghiberti, autor de las Puertas del Paraíso del Baptisterio de Florencia; Jacopo della Quercia, autor del Sepulcro de Hilaria del Carreto; y Donatello, escultor que aportará gran naturalismo a sus figuras, como observamos en el San Jorge o el David. Verrochio es el creador del monumento al Colleone, una de las estatuas ecuestres más impactantes.
Miguel Angel llena la mayor parte del Cinquecento. Entre sus espectaculares obras sobresalen la Piedad, el David y el Moisés, excepcional muestra de la terribilitá que define los trabajos de Buonarrotti. Cellini, con el Perseo de la Logia dei Lanzi, y Giambologna, con el Mercurio del Bargello, son los dos creadores que acompañan al genio en este siglo.
En la escuela francesa del XVI destacan Jean Goujon, escultor finísimo y elegante, y Germain Pilon, autor del Monumento funerario de Enrique II y Catalina de Médicis.
En España destacan importantes escultores, como Bartolomé Ordóñez, autor del Sepulcro del cardenal Cisneros, o Diego de Siloe y Felipe Vigarny, creadores del retablo de la Capilla del Condestable. Pero las grandes personalidades del XVI son Berruguete y Juni. Alonso Berruguete admiró a Miguel Angel y sus obras se caracterizan por el dramatismo y el sentido del movimiento. Juan de Juni es más reposado, sin renunciar al dramatismo que caracteriza sus espectaculares Santos Entierros.
En Italia encontramos dos grandes etapas: Quattrocento y Cinquecento. En el Quattrocento destacan las personalidades de Lorenzo Ghiberti, autor de las Puertas del Paraíso del Baptisterio de Florencia; Jacopo della Quercia, autor del Sepulcro de Hilaria del Carreto; y Donatello, escultor que aportará gran naturalismo a sus figuras, como observamos en el San Jorge o el David. Verrochio es el creador del monumento al Colleone, una de las estatuas ecuestres más impactantes.
Miguel Angel llena la mayor parte del Cinquecento. Entre sus espectaculares obras sobresalen la Piedad, el David y el Moisés, excepcional muestra de la terribilitá que define los trabajos de Buonarrotti. Cellini, con el Perseo de la Logia dei Lanzi, y Giambologna, con el Mercurio del Bargello, son los dos creadores que acompañan al genio en este siglo.
En la escuela francesa del XVI destacan Jean Goujon, escultor finísimo y elegante, y Germain Pilon, autor del Monumento funerario de Enrique II y Catalina de Médicis.
En España destacan importantes escultores, como Bartolomé Ordóñez, autor del Sepulcro del cardenal Cisneros, o Diego de Siloe y Felipe Vigarny, creadores del retablo de la Capilla del Condestable. Pero las grandes personalidades del XVI son Berruguete y Juni. Alonso Berruguete admiró a Miguel Angel y sus obras se caracterizan por el dramatismo y el sentido del movimiento. Juan de Juni es más reposado, sin renunciar al dramatismo que caracteriza sus espectaculares Santos Entierros.
Escultura española del primer tercio del siglo XX
A principios del siglo XX en la escultura española encontramos dos activas generaciones de escultores realistas. Mariano Benlliure siguió ofreciendo en su numerosísima obra el exhaustivo catálogo de técnicas y materiales de los que hizo gala. Aniceto Marinas desplegó en sus obras repertorios anecdóticos con otros más contenidos y discretos.
Entre los modernistas sobresalen varias figuras. Josep Llimoná evoluciona hacia formas más plenamente modernistas con resabios rodinianos; su obra decorativa, retratística, religiosa o funeraria muestra la red de impactos plásticos que asumió. Miquel Blay consiguió sus mejores obras en monumentos de toques rodinianos y obreristas, quintaesenciada articulación de arquitectura y complejos repertorios simbólicos del modernismo. Paco Durrio sintetiza en París de los resortes del simbolismo y el modernismo.
Entre 1918 y 1936 se desarrolla la llamada Edad de Plata de la cultura española. En esta etapa encontramos importantes escultores. Josep Clará recogió la bandera mailloliana creando su prototipo humano sólido y macizo, no ajeno a su devoción griega, rompiendo con los cánones del realismo y modernismo al uso. Apeles Fenosa enlaza con los círculos parisinos que llevarán a su obra hacia un mayor primitivismo lírico. Victorio Macho se inserta en un precoz realismo para establecer luego volúmenes cada vez más sobrios.
Mateo Inurria produjo en los últimos años de su vida obras excepcionales en limpieza de volúmenes y refinamiento. José Capuz combinó los más variados influjos, para luego resumirlos en macizos volúmenes de arcaísmo mediterráneo. La obra escultórica de Pablo Picasso está intrínsecamente trabada en sus otras actividades plásticas, siendo frecuente que la escultura sea banco de experimentación para sus otras aventuras plásticas.
Pablo Gargallo explora las posibilidades de la plancha metálica recortada, a la que extrae un repertorio de matices que, partiendo de lo cubista, llega a lo expresivo. Julio González trabaja en planchas recortadas de hierro y otros metales tratados artesanal e industrialmente, lo que le permite crear una obra donde coexisten el surrealismo expresivo hasta casi convertirse en abstracto, con lo naturalista y popular.
Manolo Hugué nos dejó una obra grácil y sólida, nueva y clásica, realizada en terracota casi siempre, en la que priman los tipos populares. Alberto Sánchez es la figura más profunda de la vanguardia de corte surrealista, nada superficial ni efectista, que busca su inspiración en las esencias populares y orgánicas. Influido primero por lo futurista, Angel Ferrant se pliega luego a lo africano y neocubista, así como a lo noucentista y art-decó para integrarse después en las vanguardias surrealista y geométrica.
Entre los modernistas sobresalen varias figuras. Josep Llimoná evoluciona hacia formas más plenamente modernistas con resabios rodinianos; su obra decorativa, retratística, religiosa o funeraria muestra la red de impactos plásticos que asumió. Miquel Blay consiguió sus mejores obras en monumentos de toques rodinianos y obreristas, quintaesenciada articulación de arquitectura y complejos repertorios simbólicos del modernismo. Paco Durrio sintetiza en París de los resortes del simbolismo y el modernismo.
Entre 1918 y 1936 se desarrolla la llamada Edad de Plata de la cultura española. En esta etapa encontramos importantes escultores. Josep Clará recogió la bandera mailloliana creando su prototipo humano sólido y macizo, no ajeno a su devoción griega, rompiendo con los cánones del realismo y modernismo al uso. Apeles Fenosa enlaza con los círculos parisinos que llevarán a su obra hacia un mayor primitivismo lírico. Victorio Macho se inserta en un precoz realismo para establecer luego volúmenes cada vez más sobrios.
Mateo Inurria produjo en los últimos años de su vida obras excepcionales en limpieza de volúmenes y refinamiento. José Capuz combinó los más variados influjos, para luego resumirlos en macizos volúmenes de arcaísmo mediterráneo. La obra escultórica de Pablo Picasso está intrínsecamente trabada en sus otras actividades plásticas, siendo frecuente que la escultura sea banco de experimentación para sus otras aventuras plásticas.
Pablo Gargallo explora las posibilidades de la plancha metálica recortada, a la que extrae un repertorio de matices que, partiendo de lo cubista, llega a lo expresivo. Julio González trabaja en planchas recortadas de hierro y otros metales tratados artesanal e industrialmente, lo que le permite crear una obra donde coexisten el surrealismo expresivo hasta casi convertirse en abstracto, con lo naturalista y popular.
Manolo Hugué nos dejó una obra grácil y sólida, nueva y clásica, realizada en terracota casi siempre, en la que priman los tipos populares. Alberto Sánchez es la figura más profunda de la vanguardia de corte surrealista, nada superficial ni efectista, que busca su inspiración en las esencias populares y orgánicas. Influido primero por lo futurista, Angel Ferrant se pliega luego a lo africano y neocubista, así como a lo noucentista y art-decó para integrarse después en las vanguardias surrealista y geométrica.
Evolución de la escultura clásica
La época dorada de la escultura griega corresponde a los días de Pericles, la segunda mitad del siglo V a.C.
Mirón será el maestro interesado por el cuerpo humano en movimiento como se puede apreciar en su Discóbolo. El escultor nos presenta a un atleta en el momento de lanzar el disco, inclinando su cuerpo violentamente hacia delante, en el límite del equilibrio, y elevando su brazo derecho al tiempo que gira su cuerpo apoyado sobre su pierna derecha.
Policleto está preocupado por las proporciones del cuerpo humano y es el autor del "Canon". En el Doríforo podemos comprobar que la cabeza es la séptima parte del cuerpo humano; el arco torácico y el pliegue inguinal son arcos de un mismo círculo; y el rostro está dividido en tres partes correspondientes a frente, nariz y la distancia de ésta al mentón. Se trata del prototipo de cuerpo varonil perfecto, elegante, sin formas hercúleas pero sin afeminamiento.
Fidias es el conquistador de la belleza ideal, siendo sus personajes prototipos. Sus obras maestras están vinculadas al Partenón y en ellas podemos contemplar su belleza a través de la técnica de los paños mojados.
En el siglo IV a.C. los dioses se humanizan, las formas se ablandan y la pasión se manifiesta en los rostros, gracias, fundamentalmente, a Praxiteles. Los cuerpos de sus estatuas presentan suaves y prolongadas curvas como se observa en el Hermes. Su cadera se arquea para formar la famosa curva mientras que su brazo derecho mostraría las uvas al niño Dionisos.
Scopas es el escultor que mejor interpreta los estados del alma y la pasión. Sus trabajos se agitan con convulsivos movimientos y las cabezas muestran expresiones apasionadas.
Lisipo prefiere proporciones más esbeltas y cabezas más pequeñas, delatando una actitud más naturalista en la que destaca los múltiples puntos de vista.
Mirón será el maestro interesado por el cuerpo humano en movimiento como se puede apreciar en su Discóbolo. El escultor nos presenta a un atleta en el momento de lanzar el disco, inclinando su cuerpo violentamente hacia delante, en el límite del equilibrio, y elevando su brazo derecho al tiempo que gira su cuerpo apoyado sobre su pierna derecha.
Policleto está preocupado por las proporciones del cuerpo humano y es el autor del "Canon". En el Doríforo podemos comprobar que la cabeza es la séptima parte del cuerpo humano; el arco torácico y el pliegue inguinal son arcos de un mismo círculo; y el rostro está dividido en tres partes correspondientes a frente, nariz y la distancia de ésta al mentón. Se trata del prototipo de cuerpo varonil perfecto, elegante, sin formas hercúleas pero sin afeminamiento.
Fidias es el conquistador de la belleza ideal, siendo sus personajes prototipos. Sus obras maestras están vinculadas al Partenón y en ellas podemos contemplar su belleza a través de la técnica de los paños mojados.
En el siglo IV a.C. los dioses se humanizan, las formas se ablandan y la pasión se manifiesta en los rostros, gracias, fundamentalmente, a Praxiteles. Los cuerpos de sus estatuas presentan suaves y prolongadas curvas como se observa en el Hermes. Su cadera se arquea para formar la famosa curva mientras que su brazo derecho mostraría las uvas al niño Dionisos.
Scopas es el escultor que mejor interpreta los estados del alma y la pasión. Sus trabajos se agitan con convulsivos movimientos y las cabezas muestran expresiones apasionadas.
Lisipo prefiere proporciones más esbeltas y cabezas más pequeñas, delatando una actitud más naturalista en la que destaca los múltiples puntos de vista.
domingo, 29 de marzo de 2009
El paisaje en los Siglos XIX y XX
En el siglo XIX se produce un importante desarrollo del paisaje como tema pictórico debido al aumento de su demanda por parte del nuevo poder económico, político y social: la burguesía. Los burgueses desean decorar sus casas con escenas placenteras y buscan en el paisaje la temática más indicada para adornar sus salones. A esto debemos añadir la admiración por la naturaleza que se manifiesta en el Romanticismo y que se continuará en las décadas siguientes, lo que conduce a los pintores a tratar el paisaje como una de sus temáticas favoritas.
Friedrich destaca por el tratamiento simbólico que realiza del paisaje. Renovó este género a partir de la ruptura de las convenciones cromáticas y de perspectiva, por lo que su influencia se extiende a movimientos posteriores.
En Inglaterra la pintura de paisaje tendrá un amplio desarrollo. Sus dos piezas clave serán Constable y Turner. Constable es el máximo exponente del naturalismo en el paisaje, interesado por las luces y las atmósferas y uno de los precursores del impresionismo. Turner estará especialmente interesado en los juegos de luz y las atmósferas, llegando a decir algún crítico de él que "Hay un pintor que tiene la manía de pintar atmósferas".
Fue Camille Corot quien se manifestó como el más preclaro representante de este tránsito que va del paisaje clásico al paisaje realista, manteniéndose al margen de todas las escuelas. La gran novedad que aportaron los pintores de la generación realista fue revelar la riqueza del paisaje francés. Quienes llevaron a cabo las principales innovaciones fueron los pintores de la llamada Escuela de Barbizon o de Fontainebleau, una escuela que, desde un punto de vista histórico, está considerada como el fundamento de la representación realista del paisaje y como la precursora del Impresionismo.
Pero será el impresionismo quien aporte la principal novedad respecto al paisaje, ya que este movimiento tiene como objetivo la búsqueda de la luz y el color directamente del natural, a "plein-air" por lo que las pinceladas se hacen rápidas y empastadas, buscando captar la impresión de cada momento.
El interés manifestado por los impresionistas por la luz y el color motivará paralelamente la pérdida de la forma y el volumen. La reacción inmediata viene de la mano de los propios impresionistas, especialmente Cèzanne, quien pretende "hacer del Impresionismo un arte sólido y duradero, como el que se conserva en los museos", considerando que "la forma alcanza sólo su plenitud cuando el color posee mayor riqueza".
Las vanguardias del siglo XX no dejan de lado el paisaje, especialmente los cubistas que buscan en Cèzanne una de sus fuentes de inspiración Apollinaire considera que el cubismo es una pintura productiva: "Lo que diferencia al cubismo de la pintura antigua es que no se trata ya de un arte de imitación, sino de un arte de concepción, que tiende a elevarse hasta la creación". Al tratarse de un arte conceptual el que se realiza a lo largo del siglo XX, la naturaleza dejará paulatinamente de ser fuente de inspiración, aunque encontramos interesantes ejemplos como algunos trabajos de Robert Delaunay, Piet Mondrian, Schmidt-Rottluff o el propio Salvador Dalí, en los que el paisaje ocupa un papel determinante.
ttp://www.artehistoria.com
Friedrich destaca por el tratamiento simbólico que realiza del paisaje. Renovó este género a partir de la ruptura de las convenciones cromáticas y de perspectiva, por lo que su influencia se extiende a movimientos posteriores.
En Inglaterra la pintura de paisaje tendrá un amplio desarrollo. Sus dos piezas clave serán Constable y Turner. Constable es el máximo exponente del naturalismo en el paisaje, interesado por las luces y las atmósferas y uno de los precursores del impresionismo. Turner estará especialmente interesado en los juegos de luz y las atmósferas, llegando a decir algún crítico de él que "Hay un pintor que tiene la manía de pintar atmósferas".
Fue Camille Corot quien se manifestó como el más preclaro representante de este tránsito que va del paisaje clásico al paisaje realista, manteniéndose al margen de todas las escuelas. La gran novedad que aportaron los pintores de la generación realista fue revelar la riqueza del paisaje francés. Quienes llevaron a cabo las principales innovaciones fueron los pintores de la llamada Escuela de Barbizon o de Fontainebleau, una escuela que, desde un punto de vista histórico, está considerada como el fundamento de la representación realista del paisaje y como la precursora del Impresionismo.
Pero será el impresionismo quien aporte la principal novedad respecto al paisaje, ya que este movimiento tiene como objetivo la búsqueda de la luz y el color directamente del natural, a "plein-air" por lo que las pinceladas se hacen rápidas y empastadas, buscando captar la impresión de cada momento.
El interés manifestado por los impresionistas por la luz y el color motivará paralelamente la pérdida de la forma y el volumen. La reacción inmediata viene de la mano de los propios impresionistas, especialmente Cèzanne, quien pretende "hacer del Impresionismo un arte sólido y duradero, como el que se conserva en los museos", considerando que "la forma alcanza sólo su plenitud cuando el color posee mayor riqueza".
Las vanguardias del siglo XX no dejan de lado el paisaje, especialmente los cubistas que buscan en Cèzanne una de sus fuentes de inspiración Apollinaire considera que el cubismo es una pintura productiva: "Lo que diferencia al cubismo de la pintura antigua es que no se trata ya de un arte de imitación, sino de un arte de concepción, que tiende a elevarse hasta la creación". Al tratarse de un arte conceptual el que se realiza a lo largo del siglo XX, la naturaleza dejará paulatinamente de ser fuente de inspiración, aunque encontramos interesantes ejemplos como algunos trabajos de Robert Delaunay, Piet Mondrian, Schmidt-Rottluff o el propio Salvador Dalí, en los que el paisaje ocupa un papel determinante.
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El Paisaje Holandés
La pintura de paisaje alcanzó un desarrollo inusitado en Holanda durante el siglo XVII.
Entre los primeros paisajistas se destaca la vena incisiva y delicadamente arcaizante de Hendrick Avercamp, que pintó con precisión pequeños paisajes invernales por los que pululan multitudes de graciosos personajillos.
Durante las primeras décadas del siglo, Salomon van Ruysdael creará un tipo de pintura que se destacará por la sencillez de la composición, la vastedad de los planos y la ligereza de las brumas, la luz plateada y los colores sobrios y suaves. Los ríos y el mar jugarán un papel primordial en este arte de tintas terrosas y tostadas. Superior a todos los paisajistas de la primera mitad, Jan van Goyen pintará sus vistas marinas volátiles, vaporosas y algodonosas, y sus paisajes de cielos inmensos y horizontes bajos y lejanos, plenos de intensa poesía.
Pero, entre todos los paisajistas de esta época, la gran figura fue Jacob van Ruysdael, discípulo de su tío Salomon, encontró en la naturaleza, especialmente en las vistas boscosas y en las caídas de agua, el eco de sus más íntimos sentimientos, que lo hacen aparecer como un prerromántico. Y, sin embargo, sus obras provocan tal consideración gracias a la alta perfección alcanzada en el dominio de las muchas posibilidades que le ofrecía la ciencia de la composición clásica y en su comunión anímica pura con la naturaleza, que le hicieron superar la nota ilustrativa en favor de la concepción sentimental.
Su amigo Meindert Hobbema, que trabajó con él en Haarlem, pronto se contentó con imitarle, aplicando algunas fórmulas estereotipadas.
El arte de esta época, redescubridor del color y la luz del sol, debe mucho a los llamados italianizantes. Sus pequeños paisajes ideales, con campesinos y pastores, que presentan una mezcla entre la campiña romana y la poética tierra de la Arcadia, causaron gran impresión desde que, en 1641, regresó de Italia Jan Both. Aelbert Cuyp, que no fue a Italia, destacó como creador de un subgénero que combinaba los elementos del paisaje nacional (tomados a través de Van Goyen) con los de la corriente italianizante.
Los paisajes de Cuyp se distinguen por estar animados por figuras de pastores y de caballeros rodeados de animales o por sólo animales. Y es que, tan neerlandés como el paisaje puro o la marina, fue el paisaje con animales, en particular de granja, que dio lugar al nacimiento de los pintores animalistas, en general más preocupados por la observación y la figuración naturalista del animal que por su posible carga poética, entre los que descolló Paul Potter.
Fuente:
http://www.artehistoria.com
Entre los primeros paisajistas se destaca la vena incisiva y delicadamente arcaizante de Hendrick Avercamp, que pintó con precisión pequeños paisajes invernales por los que pululan multitudes de graciosos personajillos.
Durante las primeras décadas del siglo, Salomon van Ruysdael creará un tipo de pintura que se destacará por la sencillez de la composición, la vastedad de los planos y la ligereza de las brumas, la luz plateada y los colores sobrios y suaves. Los ríos y el mar jugarán un papel primordial en este arte de tintas terrosas y tostadas. Superior a todos los paisajistas de la primera mitad, Jan van Goyen pintará sus vistas marinas volátiles, vaporosas y algodonosas, y sus paisajes de cielos inmensos y horizontes bajos y lejanos, plenos de intensa poesía.
Pero, entre todos los paisajistas de esta época, la gran figura fue Jacob van Ruysdael, discípulo de su tío Salomon, encontró en la naturaleza, especialmente en las vistas boscosas y en las caídas de agua, el eco de sus más íntimos sentimientos, que lo hacen aparecer como un prerromántico. Y, sin embargo, sus obras provocan tal consideración gracias a la alta perfección alcanzada en el dominio de las muchas posibilidades que le ofrecía la ciencia de la composición clásica y en su comunión anímica pura con la naturaleza, que le hicieron superar la nota ilustrativa en favor de la concepción sentimental.
Su amigo Meindert Hobbema, que trabajó con él en Haarlem, pronto se contentó con imitarle, aplicando algunas fórmulas estereotipadas.
El arte de esta época, redescubridor del color y la luz del sol, debe mucho a los llamados italianizantes. Sus pequeños paisajes ideales, con campesinos y pastores, que presentan una mezcla entre la campiña romana y la poética tierra de la Arcadia, causaron gran impresión desde que, en 1641, regresó de Italia Jan Both. Aelbert Cuyp, que no fue a Italia, destacó como creador de un subgénero que combinaba los elementos del paisaje nacional (tomados a través de Van Goyen) con los de la corriente italianizante.
Los paisajes de Cuyp se distinguen por estar animados por figuras de pastores y de caballeros rodeados de animales o por sólo animales. Y es que, tan neerlandés como el paisaje puro o la marina, fue el paisaje con animales, en particular de granja, que dio lugar al nacimiento de los pintores animalistas, en general más preocupados por la observación y la figuración naturalista del animal que por su posible carga poética, entre los que descolló Paul Potter.
Fuente:
http://www.artehistoria.com
Evolucion del paisaje renacentista y barroco
Uno de los objetivos de la pintura del Renacimiento es crear efectos de perspectiva. Para ello se situarán los personajes en un entorno arquitectónico o paisajístico, dotando a la composición de un efecto espacial. En un primer momento, los paisajes serán meros telones de fondo, pareciendo totalmente ficticios. Pero a medida que pasa el tiempo, las figuras se van integrando de manera más acertada en el paisaje y éste va adquiriendo más importancia en la composición, llegando un momento en que el paisaje se convertirá en un asunto autónomo, como podemos observar en esta Vista de Toledo que pintó El Greco.
En época barroca el paisaje se convertirá en una temática independiente. Uno de los primeros pasos en esta dirección lo dará Annibale Carracci con su Huída a Egipto, donde las figuras se ven desbordadas por un bucólico paisaje de corte clásico. Pero el gran maestro del clasicismo en el paisaje será el francés Claudio de Lorena; sus obras consiguen unos maravillosos efectos poéticos gracias a la atmósfera con dorada niebla producida por la luz solar. Normalmente, son muy similares, siguiendo una composición predispuesta, muy idealizada. Sus composiciones resultan sumamente equilibradas, y sientan el modelo que se tomará durante todo el paisajismo posterior. Poussin será uno de sus principales seguidores y sus pinturas están en esta línea clasicista inaugurada por Carracci, mostrando sus paisajes bajo la excusa de tratar temas religiosos o mitológicos, en un momento en que el género paisajístico comienza a alcanzar su autonomía.
En los Países Bajos este género alcanzará una importante difusión. La razón debemos buscarla en el aumento de la demanda de este tipo de cuadros por parte de la burguesía, verdadero motor de la economía holandesa de la época. Los paisajistas holandeses nos ofrecen una visión más naturalista de su entorno, abandonando el clasicismo italiano.
En España el género paisajístico apenas tiene importancia frente a la pintura religiosa, aunque encontramos algunos ejemplos siguiendo la línea clasicista. Velázquez y sus vistas de la villa Medicis son un caso aparte, ya que gracias a su interés por la luz se consideran como un paso hacia el impresionismo.
Fuente:
http://www.artehistoria.jcyl.es/obrmaestras/videos/904.htm
En época barroca el paisaje se convertirá en una temática independiente. Uno de los primeros pasos en esta dirección lo dará Annibale Carracci con su Huída a Egipto, donde las figuras se ven desbordadas por un bucólico paisaje de corte clásico. Pero el gran maestro del clasicismo en el paisaje será el francés Claudio de Lorena; sus obras consiguen unos maravillosos efectos poéticos gracias a la atmósfera con dorada niebla producida por la luz solar. Normalmente, son muy similares, siguiendo una composición predispuesta, muy idealizada. Sus composiciones resultan sumamente equilibradas, y sientan el modelo que se tomará durante todo el paisajismo posterior. Poussin será uno de sus principales seguidores y sus pinturas están en esta línea clasicista inaugurada por Carracci, mostrando sus paisajes bajo la excusa de tratar temas religiosos o mitológicos, en un momento en que el género paisajístico comienza a alcanzar su autonomía.
En los Países Bajos este género alcanzará una importante difusión. La razón debemos buscarla en el aumento de la demanda de este tipo de cuadros por parte de la burguesía, verdadero motor de la economía holandesa de la época. Los paisajistas holandeses nos ofrecen una visión más naturalista de su entorno, abandonando el clasicismo italiano.
En España el género paisajístico apenas tiene importancia frente a la pintura religiosa, aunque encontramos algunos ejemplos siguiendo la línea clasicista. Velázquez y sus vistas de la villa Medicis son un caso aparte, ya que gracias a su interés por la luz se consideran como un paso hacia el impresionismo.
Fuente:
http://www.artehistoria.jcyl.es/obrmaestras/videos/904.htm
sábado, 28 de marzo de 2009
Jose Maria Velasco: Paisajista Mexicano
Jose Maria Velasco
Nació en Tematzcalcingo, Estado de México. En 1868 ingresó a la Academia de San Carlos, donde fue discípulo de Eugenio Landesio, mostrando grandes cualidades desde un principio.
Paisajista por excelencia, comenzó con un estilo realista pero sus conocimientos científicos fueron instrumentándose en el análisis de la naturaleza. Su visión del paisaje es amplia y atmosférica, en proyección personalísimas, que hacen a sus obras inconfundibles.
Pintó el Valle de México en múltiples ocasiones, con la atmósfera transparente que le era peculiar y su dimensión gigantezca. Pintor del espacio cósmico como Atl, dejó también paisajes de ruinas, sitios atractivos y románticos, descubriendo las características del ámbito geográfico nacional para la pintura.
Nació en Tematzcalcingo, Estado de México. En 1868 ingresó a la Academia de San Carlos, donde fue discípulo de Eugenio Landesio, mostrando grandes cualidades desde un principio.
Paisajista por excelencia, comenzó con un estilo realista pero sus conocimientos científicos fueron instrumentándose en el análisis de la naturaleza. Su visión del paisaje es amplia y atmosférica, en proyección personalísimas, que hacen a sus obras inconfundibles.
Pintó el Valle de México en múltiples ocasiones, con la atmósfera transparente que le era peculiar y su dimensión gigantezca. Pintor del espacio cósmico como Atl, dejó también paisajes de ruinas, sitios atractivos y románticos, descubriendo las características del ámbito geográfico nacional para la pintura.
domingo, 8 de marzo de 2009
Artes Visuales 1 "Encuadres y Formatos"
Proyectos creativos de los alumnos de primer grado sobre el bloque 3 de
Artes Visuales 1.
Artes Visuales 1.
"Un Proyecto Por La Calidad, La Innovación, La Educación"
Programa Especial de Televisión Educativa Sobre la Escuela Secundaria Estatal No. 31 "Profr Miguel Angel Loya Martínez" de Hermosillo, Sonora, México, titulado "Un Proyecto Por La Calidad, La Innovación, La Educación". En este programa se presenta el trabajo por proyectos de acuerdo a los nuevos enfoques, planes y programas de estudio en la Reforma De Educación Secundaria.
Primera Parte:
Segunda Parte.
Tercera Parte:
Primera Parte:
Segunda Parte.
Tercera Parte:
jueves, 5 de marzo de 2009
lunes, 12 de enero de 2009
Historia de Internet
Los inicio de Internet nos remontan a los años 60. En plena guerra fría, Estados Unidos crea una red exclusivamente militar, con el objetivo de que, en el hipotético caso de un ataque ruso, se pudiera tener acceso a la información militar desde cualquier punto del país.
Este red se creó en 1969 y se llamó ARPANET. En principio, la red contaba con 4 ordenadores distribuidos entre distintas universidades del país. Dos años después, ya contaba con unos 40 ordenadores conectados. Tanto fue el crecimiento de la red que su sistema de comunicación se quedó obsoleto. Entonces dos investigadores crearon el Protocolo TCP/IP, que se convirtió en el estándar de comunicaciones dentro de las redes informáticas (actualmente seguimos utilizando dicho protocolo).
ARPANET siguió creciendo y abriéndose al mundo, y cualquier persona con fines académicos o de investigación podía tener acceso a la red.
Las funciones militares se desligaron de ARPANET y fueron a parar a MILNET, una nueva red creada por los Estados Unidos.
La NSF (National Science Fundation) crea su propia red informática llamada NSFNET, que más tarde absorbe a ARPANET, creando así una gran red con propósitos científicos y académicos.
El desarrollo de las redes fue abismal, y se crean nuevas redes de libre acceso que más tarde se unen a NSFNET, formando el embrión de lo que hoy conocemos como INTERNET.
En 1985 la Internet ya era una tecnología establecida, aunque conocida por unos pocos.
El autor William Gibson hizo una revelación: el término "ciberespacio".
En ese tiempo la red era basicamente textual, así que el autor se baso en los videojuegos. Con el tiempo la palabra "ciberespacio" terminó por ser sinonimo de Internet.
El desarrollo de NSFNET fue tal que hacia el año 1990 ya contaba con alrededor de 100.000 servidores.
En el Centro Europeo de Investigaciones Nucleares (CERN), Tim Berners Lee dirigía la búsqueda de un sistema de almacenamiento y recuperación de datos. Berners Lee retomó la idea de Ted Nelson (un proyecto llamado "Xanadú" ) de usar hipervínculos. Robert Caillau quien cooperó con el proyecto, cuanta que en 1990 deciden ponerle un nombre al sistema y lo llamarón World Wide Web (WWW) o telaraña mundial.
La nueva formula permitía vincular información en forma lógica y através de las redes. El contenido se programaba en un lenguaje de hipertexto con "etíquetas" que asignaban una función a cada parte del contenido. Luego, un programa de computación, un intérprete, eran capaz de leer esas etiquetas para despeglar la información. Ese interprete sería conocido como "navegador" o "browser".
En 1993 Marc Andreesen produjo la primera versión del navegador "Mosaic", que permitió acceder con mayor naturalidad a la WWW.
La interfaz gráfica iba más allá de lo previsto y la facilidad con la que podía manejarse el programa abría la red a los legos. Poco después Andreesen encabezó la creación del programa Netscape.
Apartir de entonces Internet comenzó a crecer más rápido que otro medio de comunicación, convirtiendose en lo que hoy todos conocemos.
Algunos de los servicios disponibles en Internet aparte de la WEB son el acceso remoto a otras máquinas (SSH y telnet), transferencia de archivos (FTP), correo electrónico (SMTP), conversaciones en línea (IMSN MESSENGER, ICQ, YIM, AOL, jabber), transmisión de archivos (P2P, P2M, descarga directa), etc.
Historia De La Televisión
1884
Paul Nipkow inventa el disco para análisis mecánico de imágenes.
1897
Karl Ferdinand Braun construye el primer tubo catódico.
1900
Reginal A. Fessenden transmite palabras sin cable.
1907
Boris Rosing, en Rusia y A. A. Cambell-Swinton, en Inglaterra, desarrollan simultáneamente métodos de reproducción de imagenes mediante análisis electromagnético.
1923
Vladimir Kosma Zworykin, inmigrante ruso en E. U., crea el iconoscopio, base fundamental de la televisión electrónica.
Se funda la National Association of Broadcasters (NAB), en E. U.
1924
Se funda la Radio Manufacturera Association, predecesora de la EIA.
1925
John Logie Baird realiza una demostración en Londres del primer sistema de televisión.
1927
Philo Farnsworth solicita la patente de la televisión electromagnética.
Bell Telephone Laboratories hace la desmotración de la TV sin cable entre Whippany, N. J., y New York.
1928
Ernst Alexanderson transmite la imagen de una persona a tres hogares.
El Gobieno Federal de E. U. autoriza la primera estación de TV experimental.
AT&Tconsigue hacer las primera transmisión exitosa de imágenes de video a través de líneas telefónicas, entre Chicago y New York.
1929
John Logie Baird realiza las primeras transmisiones experimentales de televisión en Gran Bretaña.
1930
V. Zworynkin también experimenta con la televisión en E.U.
1932
La Unión Telegráfica Internacional y la Unión Radiotelegráfica Internacional se unen para crear la UIT (Unión Internacional de Telecomunicaciones).
1934
Se establece la Federal Communications Commission (FCC).
En México, Guillermo González Camarena realiza experimentos con un sistema de televisión de circuito cerrado, en un pequeño laboratorio instalado en la estación de radio XEFO.
1936
El gobierno nazi usa la nueva tecnología de la televisión durante los Juegos Olímpicos de Berlín; prueba las cámaras mecánicas y electrónicas existentes, hace la primera transmisión en directo, usa por primera vez una unidad móvil y los primeros teleobjetivos en una cámara.
Se inaugura en el Reino Unido el primer servicio de televisión en el mundo.
1938
Se utilizan por primera vez cables coaxiales.
1939
La TV es introducida en la Feria Mundial de Nueva York.
Los primeros televisores son fabricados y vendidos en E.U. por RCA, GE, DuMont y Philco, entre otras compañías.
González Camarena impacta al mundo al inventar la televisión a color, gracias a su sistema tricromático secuencial de campos (obtine la patente de su invento tanto en México como en Estados Unidos, el 19 de agosto de 1940).
1946
El 19 de agosto, González Camarena, realiza la primera transmisión en blanco y negro en México, desde el cuarto de baño de la casa.
El 7 de septiembre, a las 20:30 horas, se inaugura en México oficialmente la primera estación experimental de televisión en Latinoamérica, la XEIGC. Esta emisora transmite los sábados, durante durante dos años, un programa artistico y de entrevistas.
1948
Los televisores se producen con un incremento del 500% sobre el nivel de 1947.
Ed Parsons, ingeniero e inventor, crea en Astoria, Oregon, E.U., el primer sistema de cable, a fin de complacer a su esposa, para quien había comprado un televisor que no podía usarse en su pueblo. Su sistema unía la antena, los receptores y convertidores construidos por Parsons en la azotea del Hotel Astoria, con su apartamento, situado al otro lado de la calle, mediante un cable coaxial.
En México, en septiembre inician transmisiones diarias desde el Palacio de Minería de la "Primera Exposición Objetiva Presidencial". Miles de personas son testigos gracias a los receptores instalados en varios centros comerciales.
1949
Television Digest publica en su número del 13 de agosto el primer artículo de un periódico comercial sobre le invento de Ed Parsons.
La compañía Pilot presenta la primera TV portatil con pantalla de tres pulgadas, junto con un aditamento ampliador de imagen adiocinal.
1950
En el número de abril, la revista Mecánica Popular publica el primer artículo dedicado a la TV por cable, con base a los hallazgos y desarrollos de Ed Parsons.
En junio, en E.E.U.U., se realizan las primeras pruebas de laboratorio de la TV en tercera dimensión. Nunca pudo ser practica para uso doméstico.
El 31 de agosto se inaugura el Canal 4 de la Ciudad de México, el primer canal comercial de televisión de México y América Latina.
El 1 de septiembre se transmite el primer programa con la lectura del IV Informe de Gobierno del Presidente de México, Miguel Alemán Valdés, a través de la señal de la XHDF-TV Canal 4, de la familia O'Farrill.
1951
Se inaugura XEW-TV Canal 2, propiedad de la familia Azcarraga. Transmite desde el Parque Delta (actualmente Parque del Seguro Social) en el Distrito Federal.
XHGC Canal 5 (de Guillermo González Camarena) queda interado al dial televisivo.
1953
La TV NTSC compatible se demostró con éxito ante la FCC, que autoriza iniciar transmisiones el 22 de Enero de 1954.
1954
RCA lanza el primer televisor a color, el CT-100, con pantalla de 15 pulgadas.
La teledifusión en color se inicia.
1956
Comienza la era de los televisores blanco y negro portatiles.
En México, se fusionan los canales 4, 5 y 2 creando Telesistema Mexicano.
1959
Sale al aire la señal del Canal 11 del Instituto Politécnico Nacional.
1957
Radio-Electronics-Television Manufactures Association cambia su nombre por el de Electronic Industries Association (EIA).
1960
Se introduce la primera pantalla rectangular de TV.
Sale a la venta el primer televisor transistorizado y operado a baterías (el modelo Safari de Philco).
1962
Se aprueba la norma legal que exige sintonización de todos los canales (UHF y VHF) en los televisores.
Se lanza el satélite Telstar, que posibilita la recepción de imágenes de televisión en directo entre el Reino Unido y América.
1965
INTELSAT pone en órbita el Pájaro del Alba, el primer satélite geoestacionario comercial.
1968
En territorio mexicano comienzan a operar XHTIM Canal 8, de Televisión Independiente de México) y XHDF-TV Canal 13, de don Francisco Aguirre.
México incursiona en la era de las comunicaciones vía satélite, al transmitir a todo el mundo los diversos eventos de la XIX Olimpiada México 68.
1971
Se lanza el primer sintonizador electrónico de TV en E.U.
El canal 8 (hoy XEQ-TV Canal 9) se une a Telesistema Mexicano y este a su vez se transforma en Televisa (Televisión Vía Satélite).
1972
ante la poca audiencia y graves problemas financieros el Canal 13 pasa a manos del sector público vía Somex.
1973
Se ofrece a la venta el primer proyector de TV para pantalla gigante.
1979
Empieza a operar el primer servicio de telvisión por cable en México con Cablevisión de Televisa.
1980
Comienza a explotarse comercialmente a gran escala la televisión por cable en E.E.U.U. y Gran Bretaña.
En junio, Sharp presenta el modelo DUalvision y con el introduce el PIP (Picture in pictures). Una ventana de cuatro pulgadas con imagenes a Blanco y Negro en una pantalla de 17 pulgadas a color.
La FCC comienza a probar los sitemas de transmisión de Televisión con sonido estéreo en el mes de octubre.
1981
Toshiba muestra la primera televisón con pantalla LCD a Blanco y Negro de 2 pulgadas.
1982
Dolby Laboratories introduce el sonido Sorround en los hogares.
1983
En junio Toshiba introduce al mercado el primer televisor de pantalla plana.
1984
La FCC autoriza la teledifusión de sonido multicanal para TV (MTS o Multichannel Television Sound).
Se inician las primeras transmisiones en estéreo.
Los primeros televisores y adaptadores de estéreo son vendidos, así como los primeros televisores con circuitos digitales completos.
Inician las operaciones del Canal 7 y del Canal 22, dando origen al sistema de televisión estatal Imevisión.
1985
Se comercializan los primeros televisores en color de 35 pulgadas y se comienzan a dar los primeros pasos hacia la digitalización después de la primera generación de monitores con circuitos digitales.
1986
Comienzan las opciones de proveer TV via satelite.
Se inicia la venta de decodificadores y suscriptores de de servicios de television para propietarios de antenas parabólicas.
1987
Se hace la primera demostración del sistema Advanced Television (ATV).
Los conectores S-Video son introducidos para uso compatible de sistemas S-VHS y Beta y editores de video.
1988
Se comercializa el primer receptor de Improved Definition Television (IDTV).
Sony presenta en el mercado el Video Walkman con reproductor de video de 8mm.
1989
Inica operaciones MVS Multivisión, el primer servicio de televisión restringida vía aire en México y América Latina.
1990
Se inicia en E.U. la producción de televisores de pantalla gigante (mas de 27 pulgadas).
Se publica una norma que exige la inclusión de decodificadores de Closed-Captioning en todos los televisores grandes producidos despues del 1 de Julio de 1993.
Es propuesto el sistema All Digital High Definition Television (HDTV) y la FCC establece el período de pruebas.
1991
Se introducen en E.U. los primeros televisores con capacidad de mostrar Closed-Caption.
Comienza las pruebas del sistema HDTV en E.U.
1993
Se comercializan los primeros televisores de pantalla ancha (relacion 16:9) en E.U.
1995
Se transmite por primera vez un programa de TV ("Computer Chronicles") via Internet.
Una estación de TV (KOLD 13) usa por primera vez un servidor de video digital en red para sus operaciones diarias.
Comienzan las pruebas de consumo para el cable módem interactivo.
Se introduce la pantalla plana de plasma para TV.
Se funda la World Wide Web Trade Association (WWWTA).
1996
Se introducen los primeros equipos de televisor con VCR Plus+ incorporado, en E.U.
La HDTV se transmite y recibe en vivo en la estación comercial WHD-TV de Washington, DC.
Se introduce el conector entre caja decodificadora y teléfono, para permitir la navegación en Internet mediante el control remoto.
Zenith introduce en E.U. el primer proyector compatible de HDTV.
Un acuerdo interindustrial entre teledifusores, fabricantes de televisores y de PC establece un estándar para HDTV digital.
1997
La FCC asigna una porción del espectro para la teledifusión digital y establece un plazo para iniciarla.
La Unión Internacional de Telecomunicaciones (UIT) define los principales estándares de teledifusión de TV digital terrena (DTTB), que resultará en TV Digital Cabo-a-Cabo con calidad de Alta Definición y unificará los sistemas de transmisión en todo el mundo.
Se acuerda un sólo estándar de producción HDTV basado en el formato High Definition Common Image (HD-CIF). El estándar proveerá casi el doble de resolución de los estándares en los sistemas de TV en color; evitará distorsiones de imagen y color, "artifacts", con una resolucion igual o mejor que el estándar de película de 35 mm. Además puede soportar 16 canales de sonido estéreo para el hogar, y permite transmitir un programa con varias pistas en idiomas distintos.
1998
La HDTV comercial debuta en el International CES en enero.
El Comité Ejecutivo de los Sistemas de Televisión Avanzada (ATSC) publica la identificación de los formatos de transmisión HDTV y SDTV con los estándares de ATSC para TV Digital.
Existen seis formatos de video en el estándar ATSC DTV que conforman la "TV de Alta Definición". Ellos son los formatos de 1080 líneas por 1920 píxeles en todas las velocidades de imagen (24, 30 y 60 cuadros por segundo), y formatos de 720 líneas por 1280 píxeles a las mismas velocidades. Todos tienen la proporción del formato de 16:9.
Los restantes doce formatos de video, que han representado algunos de los más significativos adelantos del NTSC análogo no son de TV de Alta Definición. Estan referidos al "Estandar de Definición de Televisión". Estos formatos son de 480 líneas por 704 píxeles en formato 16:9 widescreen y proporción 4:3, en las velocidades mencionadas anteriormente, y los formatos de 480 líneas por 640 píxeles a una proporción de 4:3 con las mismas velocidades.
La FCC publica la nueva reglamentación que provee más canales al espectro para la futura transmisión de la TV digital en los canales de 52 al 69, una vez que las señales sean transmitidas digitalmente para el año 2006.
La tecnología digital permite transmitir como máximo seis canales sobre el espectro usado por un solo canal de alta definición.
Hasta el 2006 los teledifusores podrán continuar transmitiendo señales análogas en concordancia con el plan original de la FCC para los siguientes cinco años.
Se funda la Digital Trade Association (DTA).
Se funda la HDTV Guide.
La teledifusion HDTV comercial se inicia el 1 de noviembre con PBS, ABC, NBC, CBS y FOX, en E.U.
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